常設展

展示室1

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明治の美術
 明治という時代(1864年~1912年)は、日本が急速に、そしてひたむきに近代化をすすめた時代でした。夏目漱石は、この時代をふりかえりながら、日本の近代化が「内発的」ではなく、「外発的」なのだと鋭くその本質を指摘しました。漱石は、人々はつぎつぎと西洋世界からもたらされる新しいモノやコトガラを前に、「涙をのんで」、「上滑りに滑っていかなくてはならない」と語りました。(講演「現代日本の開化」、1911年)
 美術という視覚芸術の世界でも同様でした。江戸時代、18世紀の後半頃から、日本の画家たちはヨーロッパ絵画のリアリスムを学びはじめました。とりわけ名所絵的な風景観から、どこにでも美しい自然があるという「風景」の発見は、リアリスムの表現によって理解されたのです。こうした中で、水彩画という画材も、手軽で、しかも清新な感覚を表現できるものとして、ひろく親しまれるようになりました。(三宅克己)
 しかし明治の中期になって、黒田清輝(1866-1924)がフランス留学で学んできた印象派的な視覚は、またたく間に新しい表現としてひろがりました。黒田が学んだ19世紀末のフランスでは、すでに印象派も市民権を得て、アカデミックな美術界でも、明るい外光をとりいれた感覚的な表現が新しい傾向として迎えられていたのでした。黒田は、1898(明治28)年東京美術学校西洋画科の指導者となると、藤島武二、岡田三郎助、南薫三をはじめ、青木繁、和田三造など、多くの画家が誕生していきました。
川村清雄《ネコ》制作年不詳 油彩・紙


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大正の美術
 大川美術館のコレクションにみる1910年代から20年代の作品を紹介します。藤島武二に学び留学した斎藤与里、スペイン滞在を経てパリにて、その藤島と同道した湯浅一郎、文学的な交友のなかから、のち創作版画の道を開拓した山本鼎、あるいは終生神戸を拠点に活躍した金山平三もその若き日、パリに向かい新しい画風を持ち帰りました。
第一次世界大戦(1914-18年)後には、彼らの次の世代として、美術の中心パリに留学する画家たちが次々とあらわれます。
マチスに直接師事した中川紀元、古典絵画から学ぼうとした佐分眞や前田寛治ら、ニューヨークで働きながら美術を学び、ようやくパリにたどり着いた清水登之らは、帰国後、日本の美術界でも注目され、新しい美術運動をけん引していくこととなります。
ここでは、その一方、日本を離れず、自らの内省的な作風を深めていった中村彝と、その中村に兄事した曽宮一念をご覧いただきます。いずれも1910年代半ばより東京下落合にアトリエを持ちました。中村の《花》は、1916年下落合にアトリエを新築した年に描かれた一点です。また、その二年後より中村の近所に住んだ曽宮の風景画は、いずれもセザンヌやゴッホへの傾倒を匂わせつつ、当時の下落合の雰囲気を漂わせています。中村はこの下落合で1924年、37歳で亡くなっています。
故大川栄二は、貧困や病のなかにあった大正時代の画家たちとその交友に非常な愛着を持ち収集しました。この展示室では、それぞれの画家のきらめきや動向が凝縮された、小品によって「個性の時代」とも呼ばれてきた大正期の美術の一断面をご覧いただきます。
 
前田寛治《婦人像》1925年 油彩・カンヴァス

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子どものイメージ―コレクションから
 この部屋では、「松本竣介 子どもの時間」展にちなんで、大川美術館のコレクションから、「子ども」をモチーフにした作品を選んで展示いたします。
岸田劉生、藤田嗣治、川口軌外、野田英夫、北川民次、鶴岡政男など、今日ではひろく親しまれている画家の作品です。それぞれの作品では、「子ども」を描く表現の違いはあっても、子どもに向ける視線は、やさしく、温かく、この点は共通しています。
一方、作品を精選するにあたり、これに日常生活のなかに社会性を強く意識したアメリカン・シーンの画家ジョン・スローン、そして野田英夫と同時代にアメリカで学んだ画家寺田竹雄を加えると、おのずと大川美術館のコレクションの特色もご覧いただけます。それは、日本の近代美術が、フランスの近代美術からの受容を中心に、しかも文展、帝展などの国内のメインストリームを中心に語られることが多いのに対して、ここで展示する画家たちは、多少ともその流れからはずれているからです。また、現在でも、アメリカン・シーンの画家の作品を積極的に収集している国内の美術館は多くはありません。こうした異色な個性を評価し、収集してコレクションを築いた故大川栄二の歴史観や感性が反映している結果といえます。どうぞ、松本竣介の作品とともに、あるいは比較しながらご鑑賞ください。
川口軌外《息子・京村のいる風景》1927年頃 油彩・カンヴァス

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磯辺行久、草間彌生、斎藤義重

1960年前後、既成の表現にとらわれない若い作家たちの国際的な活躍がみられました。ここでは、それまで美術作品の画材として扱われてこなかった新しい素材や材料、道具による造形表現によって、現在にもなお根源的で前衛的な問いを投げかける作品をご覧いただきます。
磯辺行久は、1961-3年にかけて発表したワッペン型を反復したレリーフ作品によって一躍注目を集めました。本作は、大理石を混ぜた石膏によって制作されたワッペンシリーズの典型的な小品です。
草間彌生の本作は、制作点数が極めて少ない1970年代中頃の一点です。1961年からはじまった群生する突起物によるソフトスカルプチャーは布で出来ています。ここではトレーにお玉やフライ返しとともに、柔らかくあるいは固い感触をともない銀色一色で覆われています。
戦前より、物質の実在、絵画表現の限界と成立について考察を深めてきた斎藤義重は、1960年、ルーチョ・フォンタナの作品に出会い、以後電動ドリルを使用した制作に取り組むようになりました。その制作は70年代以後、楕円状または帯状の板を並べた合板レリーフの制作、さらには三次元的な立体表現、空間表現へと発展します。本作もドリルを用いた作のひとつです。その「造形」は、緻密な構想に基づき、ドリルの動力と基底材との力関係や拘束のなかで表現されました。
その時代、先進的な素材と対峙した3作品は、いわば作家の宇宙とも生命ともいえるのかもしれません。作品の共通性と差異を見つけながらご覧ください。


 


展示室4

戦後の画家たち

こちらの展示室では、戦中・戦後の時代を生き、独自の表現に辿りついた画家たちの作品を展観いただきます。
山口長男、オノサト・トシノブ、浜田知明はみな応召し、戦地へ赴いています。特に浜田はその戦争体験を基に、「初年兵哀歌」シリーズを制作し一躍脚光を浴びました。その浜田を師と仰ぎ、人間が誰でも直面しうる孤独と生の不条理を幻想的な表現へと昇華した作品で注目されたのが、秀島由己男でした。この二人の銅版画家と大川栄二は、生前親しく交流していました。そうした縁もあり、2017年に二人展を当館で開催した際には、ご自宅で取材させて頂くなど、大川美術館へのご理解とご協力を頂いておりましたが、両名とも昨年逝去され、当館では追悼展示を行いました。
オノサト・トシノブは、1912年に長野県に生まれ、10歳の時に家族で桐生へ移住しました。戦前は、山口長男や瑛九らと交流し、刺激し合いながら具象と抽象、どちらの作品も制作していました。1942年に応召し終戦後シベリアに3年間抑留されますが、帰国してからは終生桐生の地で活動しました。1955年頃には「ベタ丸」と呼ばれる均一に単色で塗った円と、水平や垂直の緊密な線の集積と密度の絵画を確立します。展示中の3点の作品は、この円熟した時期を迎えたころの密度の高い作品です。そしていずれも当館に寄託されている作品であり、桐生市民の方のご協力を得て、こうして皆様にご覧いただけることとなりました。

オノサト・トシノブ《Circle100-B》1965年