常設展
展示室1
明治という時代（1864年～1912年）は、日本が急速に、そしてひたむきに近代化をすすめた時代でした。夏目漱石は、この時代をふりかえりながら、日本の近代化が「内発的」ではなく、「外発的」なのだと鋭くその本質を指摘しました。漱石は、人々はつぎつぎと西洋世界からもたらされる新しいモノやコトガラを前に、「涙をのんで」、「上滑りに滑っていかなくてはならない」と語りました。（講演「現代日本の開化」、1911年）
美術という視覚芸術の世界でも同様でした。江戸時代、18世紀の後半頃から、日本の画家たちはヨーロッパ絵画のリアリスムを学びはじめました。浅井忠（1856－1907）は、リアリスムといってもその柔軟な感性を失うことなく、その弟子たち（間部時雄）にも伝えられました。とりわけ名所絵的な風景観から、どこにでも美しい自然があるという「風景」の発見は、リアリスムの表現によって理解されたのです。こうした中で、水彩画という画材も、手軽で、しかも清新な感覚を表現できるものとして、ひろく親しまれるようになりました。（三宅克己）
しかし明治の中期になって、黒田清輝（1866－1924）がフランス留学で学んできた印象派的な視覚は、またたく間に新しい表現としてひろがりました。黒田が学んだ19世紀末のフランスでは、すでに印象派も市民権を得て、アカデミックな美術界でも、明るい外光をとりいれた感覚的な表現が新しい傾向として迎えられていたのでした。黒田は、1898（明治28）年東京美術学校西洋画科の指導者となると、藤島武二、岡田三郎助、南薫三をはじめ、青木繁、和田三造など、多くの画家が誕生していきました。
1907（明治40）年には、文部省主催美術展覧会（文展）がはじまりました。日本画、洋画、彫刻など、流派や団体に関係なく公募による美術展覧会でしたが、回を重ねていくにつれ、入選や受賞が美術家の社会的な認知と評価にかかわることになっていきました。夏目漱石の「文展と芸術」（1912年）と題する美術批評では、そうした文展の審査制度を批判しながら、最後に青木繁の「海の幸」（1904年、ブリヂストン美術館蔵）を念頭に、青木の才能を高く評価していました。青木繁には、イメージの豊かさと表現のしなやかさがあり、それこそが次の時代―個性の時代を予感させる新しさがあったといえます。
藤島武二 《風景》 制作年不詳 油彩・板
三宅克己《麹町日枝神社境内》1891年
1-2 第一次大戦後の
ヨーロッパに学んだ画家たち
第一次世界大戦（1914年から18年）は、大量の破壊と殺戮の近代戦でした。しかし、日本は、日英同盟の関係からドイツに対して宣戦布告したものの、遠く戦場から離れていたため、国内では好景気がおとずれ、また通貨の変動で、戦後ヨーロッパに留学する画家が飛躍的に多くなりました。1920年代から30年代にかけて、パリを中心に日本人画家のコミュニティーができるほど多くの画家が滞在していました。時代は、まさにエコール・ド・パリといわれるように、さまざまな個性が開花していたのです。
そうしたなかで渡欧した画家たちは、たとえば里見勝三がヴラマンクに、中川紀元はマチスに師事したように、それぞれが関心をよせる画家に学んでいたのです。その一方で、佐分真、前田寛治のようにヨーロッパ絵画の底流にあるリアリスムに惹かれ古典絵画から学ぼうとする画家もいました。また、川口軌外のように、滞欧中にフォーヴィスム、キュビスム、抽象絵画と遍歴しながら自身の表現を模索していた画家もいたのです。
日本人画家たちの多くは、数年の滞在の後に帰国して、その後日本の美術界をけん引していくことになりました。そうした画家たちとは別に、パリに根をおろして美術界で頭角をあらわしていく画家もいました。その筆頭が藤田嗣治です。（展示室３にて展示しています。）また、長谷川潔はフランスにわたると、銅版画の古典的な技法のひとつであるメゾチント（マニエール・ノワール）をつかって独自の表現世界を築き、サロン・ドートンヌ版画部会員になり、第二次世界大戦中にも帰国することなく制作をつづけ、日仏両国で高い評価を受けるようになりました。
ここに紹介する彼らのそれぞれの表現は、当時の日本の美術界に、最新モードとして迎えられ刺激をあたえたのです。しかし1930年代以降の日本の美術では、一面でこうした渡欧画家たちの直輸入の表現をいかに超えるかが、松本竣介など、つづく若い画家たちにとっての課題にもなったのでした。
中川紀元《婦人像》1920年頃
ヨーロッパに学んだ画家たち
第一次世界大戦（1914年から18年）は、大量の破壊と殺戮の近代戦でした。しかし、日本は、日英同盟の関係からドイツに対して宣戦布告したものの、遠く戦場から離れていたため、国内では好景気がおとずれ、また通貨の変動で、戦後ヨーロッパに留学する画家が飛躍的に多くなりました。1920年代から30年代にかけて、パリを中心に日本人画家のコミュニティーができるほど多くの画家が滞在していました。時代は、まさにエコール・ド・パリといわれるように、さまざまな個性が開花していたのです。
そうしたなかで渡欧した画家たちは、たとえば里見勝三がヴラマンクに、中川紀元はマチスに師事したように、それぞれが関心をよせる画家に学んでいたのです。その一方で、佐分真、前田寛治のようにヨーロッパ絵画の底流にあるリアリスムに惹かれ古典絵画から学ぼうとする画家もいました。また、川口軌外のように、滞欧中にフォーヴィスム、キュビスム、抽象絵画と遍歴しながら自身の表現を模索していた画家もいたのです。
日本人画家たちの多くは、数年の滞在の後に帰国して、その後日本の美術界をけん引していくことになりました。そうした画家たちとは別に、パリに根をおろして美術界で頭角をあらわしていく画家もいました。その筆頭が藤田嗣治です。（展示室３にて展示しています。）また、長谷川潔はフランスにわたると、銅版画の古典的な技法のひとつであるメゾチント（マニエール・ノワール）をつかって独自の表現世界を築き、サロン・ドートンヌ版画部会員になり、第二次世界大戦中にも帰国することなく制作をつづけ、日仏両国で高い評価を受けるようになりました。
ここに紹介する彼らのそれぞれの表現は、当時の日本の美術界に、最新モードとして迎えられ刺激をあたえたのです。しかし1930年代以降の日本の美術では、一面でこうした渡欧画家たちの直輸入の表現をいかに超えるかが、松本竣介など、つづく若い画家たちにとっての課題にもなったのでした。
中川紀元《婦人像》1920年頃
長谷川潔《オーバーニュ風景》1931年
「同じ大きさの丸を並べること、その事に感動があった。それですべてである。」とはオノサト・トシノブのことばです。
オノサトは円や丸、四角などの幾何学的構成の抽象絵画で、国際的な評価を集めた画家でした。終生桐生の地を離れず、この地において変化をつづけたオノサトの作品を、当館では約60点収蔵しています。
1930年代、具象絵画から、しだいに抽象の道を歩みはじめ、その後、シベリア抑留による7年間をはさみ、桐生の地において再び抽象絵画の探求を深め、1955年頃には「ベタ丸」と呼ばれる均一に単色で塗った円と、水平や垂直の緊密な線の集積と密度の絵画を確立します。同時にオノサトの50年代は、故・新井淳一(1932-2017／テキスタイル・プランナー)ら桐生において芸術を志す者たちとの親密な交友がもたれた時代でもありました。美術を志す若者は、オノサトの周辺で「若い画家展」「グループ10」といった会を結成します。オノサトは、指導者というよりは、その人間的な魅力において、精神的な支柱だったようです。当時オノサトがいかに桐生の青年たちの心を捉えたかを示す一文が残されています。
「中央にだけ頼らず 自分達の場所で自分達を育てることの必要さを感じだしていることは 芸術と言うものの最も大切な根についた問題にぶつかっているわけです。現在の日本の現実は この様な考え方が育つのに非常に難しい現実です。桐生が他に率先して 新しい独立した日の場所になることを希望してやみません。」
このコーナーでは、1935年、仲間たちと結成した「黒色洋画展」の時代の貴重な一点である《長崎の倉庫とテラスのある黒い家》とあわせご覧いただきます。この前年の夏、一か月ほど長崎を旅したオノサト。翌年にかけては、長崎で見た船や倉庫、家をモチーフとした作品をいくつか描いていますが、本作はそのうちの一点です。このほど桐生の所蔵家より新規寄託となりました。
オノサトトシノブ《長崎の倉庫とテラスのある黒い家》1935年
オノサトトシノブ《集合のオレンジ円》1962年
1-3 野見山暁治
野見山暁治（１９２０年―）は、現代絵画の第一線で活躍しています。東京藝術大学で後進の指導に当たったほか、エッセイストとしてもその健筆をふるっています。
福岡県嘉穂郡穂波村（現 穂波町）に生まれた野見山暁治は、上京して小林萬吾の主宰するデッサン研究所・同舟舎に通い、駒井哲郎らとともにデッサンを学びました。東京美術学校入学後は南薫三教室に入りますが、戦争により繰り上げ卒業となり、すぐに応召し戦地へと赴きました。戦後、虚脱感を抱いていた野見山は、骸骨をモチーフとして作品を描きました。骸骨の実在感を画面に求めることで日々の支えにしていたといいます。しかし1953年にパリに渡ると、対象をなぞるような平面的な形ではなく、「空間を支配できる量の重み、力」としてのかたちを追い求め、1960年頃に抽象表現へと傾いていきます。人体表現においても、露呈された人格にとらわれず、その奥の造詣を表現しようとして胴体だけの人間像を描いています。
造形からの解放をめぐる試行錯誤と挑戦は繰り返され、1980年以降、野見山暁治の作風は抽象化が加速していきました。
「空には、空のかたちがというものがあるだろうか。海には海のかたちがあるような気がする。これは陸があるからそう思うだけで、本当は空と同じ無限の深さだ。その深さの量を示すものが『かたち』だろう。私はそれが欲しい。」と野見山自身が言っているように、画面を浮遊する得体のしれない形は、力や動きを伴った量感の把握が目指されています。
現在進行形で動き続けているようなこれらの形は、あらゆるものの存在の重みを感じさせるとともに、一つの風景として私たちの目の前に広がっています。
野見山暁治作品展示風景
野見山暁治（１９２０年―）は、現代絵画の第一線で活躍しています。東京藝術大学で後進の指導に当たったほか、エッセイストとしてもその健筆をふるっています。
福岡県嘉穂郡穂波村（現 穂波町）に生まれた野見山暁治は、上京して小林萬吾の主宰するデッサン研究所・同舟舎に通い、駒井哲郎らとともにデッサンを学びました。東京美術学校入学後は南薫三教室に入りますが、戦争により繰り上げ卒業となり、すぐに応召し戦地へと赴きました。戦後、虚脱感を抱いていた野見山は、骸骨をモチーフとして作品を描きました。骸骨の実在感を画面に求めることで日々の支えにしていたといいます。しかし1953年にパリに渡ると、対象をなぞるような平面的な形ではなく、「空間を支配できる量の重み、力」としてのかたちを追い求め、1960年頃に抽象表現へと傾いていきます。人体表現においても、露呈された人格にとらわれず、その奥の造詣を表現しようとして胴体だけの人間像を描いています。
造形からの解放をめぐる試行錯誤と挑戦は繰り返され、1980年以降、野見山暁治の作風は抽象化が加速していきました。
「空には、空のかたちがというものがあるだろうか。海には海のかたちがあるような気がする。これは陸があるからそう思うだけで、本当は空と同じ無限の深さだ。その深さの量を示すものが『かたち』だろう。私はそれが欲しい。」と野見山自身が言っているように、画面を浮遊する得体のしれない形は、力や動きを伴った量感の把握が目指されています。
現在進行形で動き続けているようなこれらの形は、あらゆるものの存在の重みを感じさせるとともに、一つの風景として私たちの目の前に広がっています。
野見山暁治作品展示風景
1-4 オブジェ（物質としての絵画）
磯辺行久《Work》1963年頃
磯辺行久《Work》1963年頃
展示室2
松本竣介《街》1938年
松本竣介《ニコライ堂の横の道》1941年頃
難波田龍起《アクロポリスの空》
中野淳《水門》1949年
展示室3
19世紀後半は産業革命の浸透と資本主義の発達の影響が、人々の日常生活にもはっきりと現れてきた時代です。特にパリでは大規模な都市改造が行われ、「世界の都市」パリが形成された時代でありました。都市生活者であったルノワールの作品にも、こうした当時の社会や風俗の変化が映し出されています。
農民や労働者など、それまで卑俗とされてきた主題を扱いながら、歴史画を頂点とする伝統的な階位制度に挑戦したドーミエやクールベ、ミレーの作品は、近代絵画の出発点をなすものでした。この写実主義の流れに立ちながら、さらに新しい表現を生み出したのが、マネやドガ、それに続くモネやルノワールといった印象派の画家たちです。
印象派と並び重要な芸術の流れであったのが、象徴主義です。科学と機械万能の時代の実利的なブルジョワ精神、芸術の卑俗化を嫌悪したオディロン・ルドン、モーリス・ドニら芸術家たちは、当時の文学と深く共鳴しながら、人間の内面や精神、夢や想像の世界などを表現しました。印象派を母体としつつもこの象徴主義にも影響を受けたのがセザンヌ、ゴーギャン、スーラ、ゴッホを代表とするポスト印象派です。
1905年にはアンリ・マティス、アンドレ・ドランをはじめとするフォーヴィスムが登場します。ドランはゴーギャンの影響を濃く受けていますが、ルノワールやマネを想起させる作品も描いています。
目まぐるしい社会の変革とともに、芸術においても変革の時代を迎え、さまざまな芸術思潮が生まれました。この展示室では、その変革を促し新たな表現へとつなげていった画家たちの作品をご覧ください。
ギュスターヴ・クールベ
《ジュラ風景（ケルビーノ・パタの協力による制作）》1875-77年頃
アンドレ・ドラン《洞窟内 沐浴》制作年不詳
ピエール＝オーギュスト・ルノワール
《花飾りのついた帽子》1897-98年頃
ベン・シャーンとアメリカ美術
当館にはベン・シャーン作品が49点収蔵されています。そのすべてが初代館長・大川栄二(1924-2008)による収集です。ベン・シャーンについて大川は、「同時代に生きた松本竣介に大きな影響をあたえたかと推測」し、「非人間的だった20世紀の中で、人間の生きていたことを挙証する無限の人間愛で、絶えず眼前の現実を見続ける世紀の画家として、ヒューマニストとして、社会と芸術とを結びつけようとした稀有の画家」と評しました。この展示室では、ラッキー・ドラゴン連作のうちの一点《なぜ?》をはじめとするベン・シャーンの代表的な作品とともに、シャーン登場にいたる20世紀初頭のアメリカ近代美術の一断面をご覧いただきます。
20世紀初頭のアメリカは、農村から移住してきた人々による都市への人口が加速した時代でした。ニューヨークには、地下鉄や摩天楼などが建設され、都市の情景や日常生活そのものを作品の主題にとりあげる画家たちがあらわれます。「ごみ屑のようなものまで描く」という意味から「ごみ箱派(アシュカン・スクール)」とも呼ばれた8人の作家によるグループ「ジ・エイト」は、この時代を象徴する革新的な動向のひとつです。ジョン・スローン(1871-1951)は、初期版画作品『ニューヨーク都市生活集』シリーズで、都市生活者の表情をじつにいきいきと表現しました。また、歓楽街や日常生活の一コマをとらえ画面に注いだレジナルド・マーシュ(1898-1954)は、むせかえるように発散される都市のエネルギーそのものを表現しています。
ジョン・スローン《岩場の遊び》1916年
当館にはベン・シャーン作品が49点収蔵されています。そのすべてが初代館長・大川栄二(1924-2008)による収集です。ベン・シャーンについて大川は、「同時代に生きた松本竣介に大きな影響をあたえたかと推測」し、「非人間的だった20世紀の中で、人間の生きていたことを挙証する無限の人間愛で、絶えず眼前の現実を見続ける世紀の画家として、ヒューマニストとして、社会と芸術とを結びつけようとした稀有の画家」と評しました。この展示室では、ラッキー・ドラゴン連作のうちの一点《なぜ?》をはじめとするベン・シャーンの代表的な作品とともに、シャーン登場にいたる20世紀初頭のアメリカ近代美術の一断面をご覧いただきます。
20世紀初頭のアメリカは、農村から移住してきた人々による都市への人口が加速した時代でした。ニューヨークには、地下鉄や摩天楼などが建設され、都市の情景や日常生活そのものを作品の主題にとりあげる画家たちがあらわれます。「ごみ屑のようなものまで描く」という意味から「ごみ箱派(アシュカン・スクール)」とも呼ばれた8人の作家によるグループ「ジ・エイト」は、この時代を象徴する革新的な動向のひとつです。ジョン・スローン(1871-1951)は、初期版画作品『ニューヨーク都市生活集』シリーズで、都市生活者の表情をじつにいきいきと表現しました。また、歓楽街や日常生活の一コマをとらえ画面に注いだレジナルド・マーシュ(1898-1954)は、むせかえるように発散される都市のエネルギーそのものを表現しています。
ジョン・スローン《岩場の遊び》1916年
ベン・シャーン展示風景
展示室4
瑛九と難波田史男
二人の画面に共通しているのは、リズミカルな詩情です。
瑛九は4８歳、難波田史男は32歳で没しました。短い人生の中で2人は独自の表現を模索していきました。
瑛九（本名 杉田秀夫）は、1911年に宮崎に生まれ、1925年に東京美術学校に入学するもわずか1年で退学します。1930年からフォトグラムの独自な試作を開始し、1936年に「フォト・デッサン」と名付けました。暗室で印画紙に型紙などを載せ、上から光を当てて「描画」する技法です。現在では、表現の先駆性が高く評価されていますが、当時は一部から注目されたにすぎませんでした。また、エスペラント語を学ぶなど、つねに世界のひろがりを意識しながら制作をつづけていました。1940年代には一時、具象的な様式となりましたが、第二次世界大戦後は再び抽象へと回帰し、50年代にはエッチングやリトグラフも制作、1960年に病没するまでは油彩に専念するなど、モダニストとして多彩な手法で独自の表現を試みました。
難波田史男は、1941年に画家難波田龍起の次男として東京に生まれます。1965年早稲田大学第一文学部美術科に入学するも、翌年大学紛争が始まり、既成の価値観の崩壊と自己表現との間で悩みつづけました。「自分の心にうまれてくるもの、それを自由に表現していきたい。キャンバスは自分の世界観を表現する唯一の場なのである」という言葉を残しているとおり、制作と向かい合い続けた人生でした。1974年九州旅行の帰り、瀬戸内海の連絡フェリーで海中に転落し不慮の死を遂げるまで、実に2000点を超える作品を遺しています。
2人の画家は、世の中の矛盾との戦い中で、内面に秘めた烈しい情熱と繊細な感覚がとらえた感動や苦悩を独自の作風によって鋭く、詩情豊かに描きました。「世界をデッサン」した二人の画家の詩情あふれる作品をお楽しみください。
瑛九《作品》1950年
難波田史男《無題》1971年
展示室1
大川美術館では、所蔵作品のなかからつねに200点をこえる作品を展示しています。当美術館のコレクションのなかから秀作を選び、明治、大正の時代の絵画から、国内外の現代の作品まで、歴史をふりかえられるように展示しています。展示室は、4階から1階まで、各フロアーで作品をご覧いただきながら下へ奥へと階段を降りていくごとに、展示室があります。現在「展示室1」では、大正期から昭和にかけて、近代日本の洋画の歴史、その断面を3つの小部屋ごとにたのしんでいただける展観となっています。
第1室は、曾宮一念の《赤坂離宮》(1911年)にはじまり、萬鐵五郎の《土沢風景》(1915年)、そして茅ヶ崎で描いた《風景》(1927年)、中村彝の《花》(1916年)、《友人の像》1918-19年頃)ではじまります。第2室では、三岸好太郎最晩年の作、筆彩素描集『蝶と貝殻』全10点(1934年)とあわせ、村山槐多15歳のときに描いた身辺の風景の素描6点(『回覧雑誌』より1911年頃)、長谷川利行の小品などを紹介しています。大正期を生きた画家たちの個性豊かな表現に触れていただけることでしょう。また、第3室では、群馬県出身の画家山口薫の没後50年を記念し当館コレクションの油彩画より代表的な3点とともに、交流のあった画家のひとり、桐生に生きたオノサト・トシノブとをあわせて紹介しています。
萬鐵五郎《土沢風景》1915年 油彩・カンヴァス
三岸好太郎《筆彩素描集「蝶と貝殻」より
「海洋を渡る蝶」》1934年 プリント、手彩色・紙
「海洋を渡る蝶」》1934年 プリント、手彩色・紙
村山槐多《回覧雑誌より「秋の憂」》1911年頃 水彩・紙
山口薫《紙箱と真田紐》1960年代 油彩・カンヴァス
オノサト・トシノブ《作品(二ツの丸)》1958年 油彩・カンヴァス
展示室2
◆松本竣介(1912-1948)
当館のメインフロアーであるこの展示室では、常時、松本竣介の代表作《街》をご覧いただけます。作品の前に置かれたソファーに腰をおろし、絵画とともにある時間をゆっくりとお過ごしください。
この《街》を囲むように、同じ室内では、竣介と交友した同時代を生きた画家、難波田龍起や靉光、麻生三郎、鶴岡政男らの作品も常時展示しています。
また、野田英夫、清水登之、国吉康雄らアメリカンシーンの日本人画家たちも紹介するコーナーを設けています。大川美術館では、展示室をめぐりながら、同時代を生きた画家たちの息遣いや、時代の質感もまぢかにとらえることができる空間となっています。その影響関係や交友について、しずかに思いを馳せていただければ幸いです。(年間3回一部展示替えあり)
松本竣介《婦人像》1942年 油彩・板
松本竣介《ニコライ堂の横の道》1941年頃 油彩・板
◆野田英夫(1908-1939)
野田英夫《ポキプシー》1936年頃 油彩・カンヴァス
◆清水登之(1887-1945)
清水登之《パリの床屋》1924年 油彩・カンヴァス
清水登之《育夫像》1945年 油彩・板
◆国吉康雄(1889-1953)
国吉康雄《バーレスクの女王》1933年 リトグラフ・紙
国吉康雄《バーウィック近くの墓地》1941年 カゼイン・紙
◆鶴岡政男(1907-1979)
鶴岡政男《幽うつな窪み》1963年 パステル・紙
鶴岡政男《黒板から消えた顔、々、々》1963年 パステル・紙
難波田龍起《海神の詩》1977年 油彩・カンヴァス
井上長三郎《紳士》1970年頃 油彩・カンヴァスボード
展示室3-1 ◆新井淳一特集展示
平成29年9月25日に、桐生市在住のテキスタイル・プランナー新井淳一先生が、逝去されました。享年85歳。新井淳一は、生家の織物業を継ぎながら、伝統的な素材の掘り起こしと新しいテキスタイルの開発につとめ、伝統と先端的な科学が融合した布の創造に取り組みました。その布地は、三宅一生、川久保玲などのデザイナーにもとり上げられ、ファッション界に大きな影響をあたえ、国内外で高く評価されてきました。生前の新井先生は、美術館の題字を揮毫されるなど、大川美術館の創設者大川栄二と深い親交がありました。この度は、新井先生とともに大川栄二が収集したアフリカなどの民俗資料とともに、このほど当館の所蔵となった幔幕を写真にて紹介しております。
展示室3-2 ◆海外作家展示室
大川美術館の海外作家は、ピカソ、ルオーをはじめ、20世紀アメリカを代表するベン・シャーンらを中心に約600点のコレクションがあります。当館の主要作家である松本竣介、野田英夫らの影響関係とともにご覧いただきます。【おもな展示作品】
・ベン・シャーン《リルケ『ﾏﾙﾃの手記』より一行の詩のためには‥‥》1968年より 10点
・ドミトリー・ミトロヒン《公園》1936年 ほか3点
・ジャック・ヴィヨン《座する裸婦》1923年
・アンドレ・スゴンザック《風景の中の人物と犬》1920年頃
・アンドレ・ドラン《腕を伸ばした裸婦》1926-28年頃
・モーリス・ユトリロ《花》1940年頃
・ジョルジュ・ブラック《水差しとさくらんぼ》1945年
・パブロ・ピカソ《海老と水差し》1948年頃
・マックス・エルンスト《サンモリッツで冬を過ごしたいと願う宇宙飛行士》1968年
・ジョセフ・アルバース《構造上の星座》1961年
・ベン・ニコルソン《無題》1937年
・ニコラ・ド・スタール《航跡》1951年
・ゲオルゲ・グロス《ゴールデン・シティ》1946年
・ヘンリー・ムーア《膝から上ふたつの人体》1984年
・ヘンリー・ムーア《母と子：フード》1982年
展示室4
戦後の抽象
展示室5 コレクションによるテーマ展示「花の饗宴」
左から、三岸節子、熊谷守一、山中春雄
展示室6
小展示
カフェのテラスに向かう手前のちいさな展示室です。本会期では、美術館の庭が、冬から春へとうつろう季節を感じながら絵画鑑賞をおたのしみください。
【展示作品】
■1月4日～2月18日
・上村松篁《春雪》1980年頃、南城一夫《赤城山》1985年、加山又造《凍林》1960年、菅野恵介《蔵王雪山》1949年頃、岩橋英遠《翔鶴》1980年頃、柳原義達《道標・鳩》1974年
■2月20日～3月25日・難波田龍起《青い夜》1972年、菅野恵介《蔵王雪山》1949年頃、岡田謙三《Ｍooving white》1972年、野見山暁治《雪明り》1966年、南城一夫《赤城山》1985年、江見絹子《作品》1963年
岡田謙三《Ｍooving Ｗhite》1972年 油彩・カンヴァス
